节奏之于广播剧作品本身，是一种以律动的强度变化所呈现出来的时间模式；节奏之于广播剧的创作手段，是展现作品的重要艺术表现元素之一。节奏从属于艺术范畴，它是依托于外在形式，构建在空间和时间这个四维坐标上的内在律动模式。节奏的外部初级特征是时间模式，其内涵实质体现出来的是律动和变化。

　　从概念内涵上看，广播剧节奏的类型划分可以借鉴电影的基础理论；只是在外延表现手段上，广播剧节奏的类型划分又有其独特的地方。毕竟电影的外在体现是镜头语言，它是“声画一体”的综合艺术；而广播剧没有“画”，只有“声音”这个单一的表现载体。《电影的诞生》的作者莱昂·慕西努克，把电影节奏分为内在和外在两大类。我认为这样的划分对广播剧也适用。以下就是根据这个划分，以一个录音制作者的目光，来对广播剧的节奏与艺术作个粗略探讨。

　　内在节奏是与内容有关的内涵律动模式

　　广播剧的内在节奏是与内容有关的内涵律动模式，我个人从实际操作的角度，把它细化为情绪律动节奏、时间律动节奏和场景结构律动节奏三个子类型。

　　1、情绪律动节奏 

　　它包涵着两个相互关联的基本层面，一是演播者的情绪律动表现，这个变现不能是孤立

　　存在的，而是依附于背景、环境和故事情节的整体过程。二是听众的情绪应答表现，后者与前者之间是相互对照、依存的关系。

　　如何把握好情绪律动节奏呢？从创作者的角度看，前者的核心是在前期录音的时候，把握好演播者的语言对白节奏。我们知道，广播剧语言节奏的美体现在演播上，就是演员通过声音所表现出的那种张弛有度、缓急从容的功力。这个功力不单纯是技术性的，它所体现的实质不仅仅是演播者是对角色的理解，更是演播者对相应的时代背景、特定场景的环境以及故事情节发展的整体把握。所以在录音的时候，给演播者提前交代清楚规定情景是什么，远比给他们提演播要求更容易达到事半功倍的效果。

　　广播剧是门综合艺术，相关人员都会相应对其进行二度创作，演播者也是如此。而且语言对白的艺术表达就应该是多元化的，它的好坏评价也是主观性的。所以对演播者的二度创作，我认为应该尊重的原则是：不能以个人的好恶来规定某一种模式，只要演员把握住了特定人物的特征和特定场景的要求，其情绪律动节奏是可以自由发挥的。

　　如果说前者的核心在前期录音过程，那么后者更多地体现在后期制作上。听众的情绪应答和演播者的情绪律动是一种相互对照、依存的关系。后者在依附于前者的同时，也反过来深深影响前者的判断根据。录音师既是创作者，同时也是一个听众。身份变换一下，往往对主观创作有一个很到位的客观评价。作为一名录音师，我发现这样一个现象：就是有时演播者的语言节奏在前期录音的时候，大家认为还不错，但是当整个作品立起来之后，才发觉整体对白的情绪律动与想象有一定的距离。究其原因，还是在听众情绪应答的环节上考量不够，准备不充分。

　　【举例】 我曾经录制了一部叫《彩虹》广播剧，全剧开始的引子部分是一段在地震废墟上寻找失踪者的戏。这段戏台词很少，就是在废墟上反复呼喊“有人吗？”。当时录音的时候，演员的演播以及音响师的现场音效模拟应该是很到位的，整个节奏也控制的比较缓慢，突出了空旷原野上寻找失踪者的那种焦急的心态。但是在合成的时候，我还是感觉整体环节总是缺少点什么。最后，把自己换作听众的角度再审视这段戏，才发现有两个关键的环节没有考虑进去：一是演员的演播是在特定场景之中，但是作品对听众在特定场景上的交代并不突出；二是演员的对白节奏是缓了下来，但放在真实的生活氛围之内，就感觉还是稍稍局促了些。考虑到这两个因素，我对这个引子做了相应的调整：一是全剧一开始就设置了一个“大全景”的营救场景，从这个“全景镜头”再缓缓来到这个救援者的“特写镜头”。这样，听众从一开始就立刻进入到地震救援的特定场景之中。二是“不惜笔墨”，用废墟上搜寻者的脚步特写来拉缓他的搜寻节奏，再由慢到快进入到正戏。这样，把原来只有1分30秒戏拉长到近3分钟，但是整体听起来不仅没有拖沓之感，反而增加了这段戏的紧张情绪，也更加突出了“人与爱”的主题。

　　【再举例】 我发现有些广播剧的高潮段落，演员的演播可谓“痛哭流涕”，但是听众反应却是出奇的“冷淡”。究其原因，主要并不在演员的演播环节上。从听众的角度讲，大多是因为相应的剧情铺垫太贫乏了。没有铺垫的过程，就没有结局的高潮效果。铺垫需充分，高潮要适度，这种轻缓张弛的分寸把握，不光对作者和导演重要，对录音师亦是如此。

　　从这两个例子可以看出，抓住听众情绪应答的这个环节，也就抓住了听众的听觉感官“脉搏”，而这正是把握好广播剧情绪律动节奏的关键。

　　2、时间律动节奏

　　它指的是剧中故事的叙事时间与故事本身时间之间的关系，也是虚与实的关系。叙事时间则是虚，故事时间是实。但从听众的角度来看，叙事时间才是贯穿于广播剧整个剧情发展的“线”，而这条线是明，真正的故事时间则成了“暗线”。明线要给听众一个完整的暗线交代，这是创作者必须要把握好的环节。

　　广播剧的叙事时间这条线既可串行，也可以并行，甚至能够以倒叙的形式出现。这条时间流动“线”就体现在虚实律动节奏之中。在一部广播剧中，哪个时间段需要完全省略，哪个时间段需要简要概述，哪个时间段必须注重强调；那些环节应着眼于实，那些应着眼于虚；对这些环节的取舍与调度，应当遵循的第一个原则就是，节奏控制必须服从大局，服从整个故事主题的需要。这个原则也是控制整个广播剧时间节奏的基础手段。

　　广播剧的时间律动表达相对于电影有所区别和局限。电影是声画艺术的综合体，广播剧只是听觉的艺术，它所能表现时空转换的手段，当然比电影要少些。没有画面的支持，广播剧交代时间，串联时间的手段大多局限于：解说、时代背景音乐和特定场景音效。正因为这样的客观局限，我个人认为把握时间律动节奏的第二个原则就应该是：时间线条要尽可能的明快和简洁。一是减弱时间跨度的变化，二是减少时空转化的频率。听觉的特点是越简化环节，越容易凸显主题。线条流畅、节奏明快是当前听众的主流回馈。

　　我个人对解说的初浅理解是，解说是广播剧必不可少的环节，但是它不能太突出，一部戏的结构过多突出解说的环节，从节奏艺术的角度看，不免多了一点韵律表达的僵化，少了一份静态结构韵律的艺术审美趣向。

　　3、场景结构律动节奏

　　它是一种静态的律动模式，静态结构与动态发展同样离不开律动的和谐美。广播剧的剧本结构，也是一个故事的结构，每个故事都要发生在一定的背景之下、一定的空间之中。所有场景中人物活动的空间在转换中不断地构成重复与对称，并且又有详略轻重的变化。这些排列的场景便构成了一种听众不易觉察的结构律动节奏。

　　广播剧的结构布局，场景安排与排列不是随意的，都要统一于一个大局之中，统一于主题需要。一部剧的场景之中有重有轻，每个场景之内也有侧重细节。在广播剧的二度创作当中，哪些场景需要简化，哪些场景需要增强；哪个细节需要强化，哪些细节可以淡化；这些取舍之间依据的原则是主题需要，实施的手段就是把握好节奏。对游离主题的部分，即使写的很生动也要简化，甚至剪裁；对铺垫主题的主要环节，宁可要其繁也不能让其简。

　　广播剧的故事情节一般都离不开铺垫、发展和高潮这三个部分。一般而言，其中铺垫趋缓，高潮偏急；铺垫是轻，高潮是重。但这只是相对的，在作者铺垫之中埋下的线索和伏笔，作为二度创作的我们，需要在细节的取舍中把握好哪些是需要特别突出的环节。缓中有急，急中有顿，在展现主题的流程中，轻重永远是相对变化着的。一部戏的情节听起来能够做到“丝丝入扣”，就是把握住了主题，把握好了整体节奏的韵律美。

　　在这个问题上，“剪裁”是每个录音师需要掌握的重点。敢下剪刀，会下剪刀不仅仅是导演的职责，也是录音师的职责。我在制作广播剧的时候，特别注意的一点就是：在剧情铺垫的环节，我更关注其中的细节“伏笔”和结局的关系；而在结局的高潮部分，我首先是“回顾”相应的铺垫环节。这样在制作的时候，对整体的把握才不容易偏离主线，偏离主题。而且对不在主线上的并且游离主题的环节，从不吝惜自己的剪刀。把握好场景结构律动节奏，关键是要把握好整体。从这个概念的外延上看，实施的手段是剪裁；但其内涵体现的还是主题需要。

　　外在节奏是与声场展现形式有关的的律动模式

　　广播剧的外在节奏是一个与声场相关联的概念，它是一种体现声场变化的律动模式。我依然从实际操作的角度，把它分为话筒拾音的调度节奏、声音的空间变化节奏、场景转换的变化节奏、音乐的律动节奏和音效的律动节奏五个子类型。

　　1、话筒拾音的调度节奏

　　广播剧构成三要素：对白、音乐和音效。相对其他两个，对白是其中最重要的要素。对

　　白录音离不开话筒，话筒至于广播剧就如同摄影机至于电影，只是调度形式有所不同。电影以演员为核心，摄影机围着演员运行；广播剧现在很少做外景实录，室内拾音的话筒调度是以话筒为固定点，演播者做声场空间轨迹的自我调动。好的录音师一定要根据剧本场景和剧情的需要，提前为演播者设计好话筒前的运动轨迹。声音的远近、虚实主要靠演员自己的走位来实现，这是前期录音的关键之一。

　　点话筒和立体声话筒之间的制式差别，造成单声道和立体声的声场差别。现代广播剧这两种制式的区别意义已经不大了，原因是现在的音乐和动效资料基本都是立体声的，而且有的剧在对白部分既是单声道，也做局部立体声处理。比如，我在广播剧录音的时候，多采取两只点话筒的拾音方式，通过调音台上声像旋钮的设置，可以在一个场景之中很轻松的做单声道与立体声之间的转换。这两者的转换构成了声场“点”与“面”的律动变化，这就是声场变化的静态空间节奏。

　　演播者在话筒前的走位，可以做单声道和立体声两种制式的拾音。单声道拾音拾取声像的远与近。这种远与近往往与我们想象的声音虚与实呈逆向对比关系：比如远景拾音，常常要求演播者发声要实，而且音调偏高；而近景特写要求演播者发声实里带虚，气声的运用很普遍。立体声拾音拾取声像的整个空间分布，包括左右变化和声场景深的长与短。这种声场走位的远与近、左与右、景深的长与短以及与虚实的对照与对比，构成了声场变化的动态空间节奏。

　　声场分布如同电影画面构图，是有艺术美学依据的。录音师对拾音话筒的调度，比如话筒的高低远近摆放与演播者的走位关系，体现的是声场变化的律动模式。录音师的技术修养亦在于此。

　　2、声音的空间变化节奏

　　声音的空间变化体现在左右、远近、高低与虚实上。声音的左右与远近变化，在立体声制式拾音下，凭演播者的走位就可以做到。关键是这种变化要符合声场的空间美，我个人的观点是：声音的声场构图尽量要避免中央声像的欠缺。打个比方，中央声像如同音乐中的底鼓与贝司，它是声场构图的“根”，无根的音乐会飘，无根的画面构图同样谈不上韵律美。立体声广播剧经常出现一左一右的人物对白，这种声场构图时间久了会给听众造成听觉的不和谐感。同样，声音的远近调度也要注意适度原则，否则会产生同样的不良效果。声音也是有画面的，画面要实中央就不能虚。录音师经常强调，声音要饱满，声场构图也要饱满，这个饱满不是狭义上的音量大，而是整个声音构图的平衡与和谐。比如，我在做对白的左右声像处理的时候，总要用适当的音乐和背景音效来弥补中央声像的空缺；在声音的左右横移之中，更注重音乐与背景音效的对照移动变化；从而使两者的关系体现出声音空间变化的内在韵律美。

　　声音的高低与虚实，单就实施它的技术手段来看，两者有相似的地方。声音的虚，我们常把它与回忆、脑海闪现以及虚幻飘渺的声音联系在一起，通常的做法是加混响效果。声音的实，顾名思义是指声音的真实还原。两者的对比变化构成了节奏律动的两极。那么如何看待声音的高低呢？客观讲声音构图的高低与影视画面有很大区别，从实施手段上来看，我们通常做法是：低为实，高为虚。一般将声音加上混响，把声音“飘起来”视为声音的高。但是有一点需要明确，单加混响容易把声源造成了一个面，而缺乏景深，解决的办法是根据需要，对声音再加上适当的延时，用延时来体现空间的景深。这样高与虚、高与远的合理结合就可以把一个想象中的高的概念具体还原出来。

　　3、场景转换的变化节奏

　　场景转换的形式从空间上看，有室内与室外之间的转场，有小空间与大空间之间的转场，还有全景声场与局部特写的“镜头转移”。前二者的技术实施容易，但是对全景与特写的转换把握，就相对有一定的难度。这个难体现在控制镜头转移的心理节奏上。从面到点，再从点到面的节奏控制不仅需要良好的心理节奏，还需要对整个场景有一个全局性的把握。镜头转移是急是缓，节奏张力是轻还是重，这些都是为一个目标服务，它就是这个段落的核心亮点：主题。

　　场景转换的形式从时空上看，有现实与虚拟的转换和蒙太奇。蒙太奇的手段广播剧也用，但是从效果上说，总体感觉不如电影运用起来那么令人深刻。在广播剧里蒙太奇的运用大多与现实和虚拟之间的转换联系在一起。因为没有画面的支持，广播剧中现实场景的蒙太奇转换衔接，控制不当容易造成时空的混淆。对那些双线索甚至多线索发展的剧情，使用蒙太奇首先要在两条线上发生的故事场景做明确的区别，这是因为听觉的局限所必须要求的。而且场景之间蒙太奇的衔接点一定要设置合理，这个合理首先也是听觉上的。有的时候，我们把蒙太奇手段与虚实处理手段（混响的运用）结合在一起，听觉效果可能会更合理一些。

　　场景转换的衔接离不开对白（解说）、音乐、音效以及三者的组合搭配。手段并不难，但要做好了就需要较高的艺术修养。转场速度的快慢，转场节奏的轻重缓急，一是根据剧本的结构框架来决定。上一场戏是强收场，下一场就要缓进入；反之缓收就应强起。但是这也不是那么绝对，局部强弱的变化流线首先要服从全剧的整体节奏线条，所谓强弱起伏的间隔根据需要也是可以打乱的。二是根据剧情发展的情绪来决定。比如一大段高潮戏的结束，进入下场戏之前往往需要一定时间的静场，这个时间的多与少取决于创作者的心理节奏。之所以这样安排是要给听众一个缓冲，一个能从容反应与思考的时间段，这也是广播剧外在节奏与内在节奏高度统一的一个典型例证。

　　4、音乐与音效的律动节奏

　　在广播剧制作中，音乐和音效的铺设不是死的，而是有生命，有律动规律和节奏变化的。比如背景音乐要随着剧情的发展而发展，随着演播者情绪的起伏而起伏；再比如场景音效的铺设，同样不能呈现一个死板的面，在全景与特写镜头转移的同时，它也要随之做相应变化。在没有画面的支持下，音乐与音效之于广播剧，甚至要比它们之于电影还有重要。它们的重要性更多体现在对情绪和主题的渲染与烘托，有时所起的作用甚至比对白更有力。

　　我们知道音乐是流动的，有流动就有节奏。音乐的转承起伏要与对白的气口相对照和协调，这点是不难理解的。一部广播剧的配乐是否成功，一是要看整体，也就是说一部剧的音乐要有一个主旋律，其他场景或情绪音乐都是它的变奏。这样无论音乐如何变化，整体的风格都不能游离全剧的主题。二是看细节，配乐是有讲究的，什么时候该配乐以及如何配，是与剧情相对照，与对白的情绪节奏相关联。音乐的音量什么时候该大，什么时候要小，这个动态的律动过程突出的是音乐的细节变化节奏。三是看剪接。语言有剪接，音乐同样需要剪接。剪接音乐必须要有良好的节奏感，保证两段衔接音乐在节奏和调式上保持一致。这点我比较反对现在一些音乐人的做法：他们在配乐的时候，把各种不同调式不同配器的音乐段落强行剪接起来，配在剧中初听起来效果好像很不错，与对白节奏也吻合，但细细品味就感觉缺少一种统一的整体韵味，音乐流动的韵律难免有生涩之嫌。

　　音效其实也是流动的，它也有节奏。比如一段森林的全景音效，如果没有流动的鸟叫声，没有流动的风声，那么整个声场的效果该是多么的刻板。语言镜头有全景与特写的变化，音效同样有远近、强弱与点面的变化。这个变化和音乐一样，讲究与剧情和对白相和谐统一。其实，对白、音乐与音效的运用从来都不是相对孤立的，三者互为补充，和谐搭配，并不断地做对照和反复，从而构成了一部剧的总体律动节奏。

　　那么什么叫互为补充？我想着重强调的是，这三者都有其特定的局限性，在渲染主题的时候，每个元素的不足，都应该想办法通过其他两个元素来补充甚至替换。这一点在后期缩混的时候尤显重要。

　　【举例】我做过一个北京奥运的音乐专题《奥运····和·中国》，其中有一段场景需要展现开幕式上的“纸卷轴”。开始我曾经设想过模拟纸卷纸的展开音效，但很快否定了这个想法，因为这个纸卷轴的展开是无声的。后又设计了其他几种特殊的音效来代替，效果依然不理想。后来，换了个角度思考，发现这个纸卷轴的内涵其实是一种中国悠久文化的象征符号。有了这样的思考，纸卷轴的音效便很容易找到它的替代者：奥运会上演出的古筝音乐。古筝音乐的厚重优雅、其节奏的舒缓大气很符合“纸卷轴”的文化特征，随着古筝音乐的流动，一个个象征中华文化的诸如“昆曲”、“古乐”、“京戏”之类的声音元素，被巧妙而不留痕迹地剪接在里面，把奥运会开幕式上带给观众强烈视觉冲击的“纸卷轴”，用声音很巧妙地完美再现出来。

　　【举例】我做过一部儿童广播剧叫《举起你的右手》，讲的是一个失去大半个右臂的孩子，在社会的关爱下，终于勇敢面对现实的故事。在全剧的高潮有一段情节非常感人，背景环境是课堂和全体师生，台词如下：

　　老师：某某同学，请举起你的右手。（鼓励）

　　学生：老师——你说的是我吗？（迟疑）

　　老师：对，是你！请举起你的右手！（深情鼓励）

　　学生（静场2秒）:嗯！（举胳膊的衣袖声）

　　（静场1秒，然后全体师生的掌声）

　　这段戏当时的做法应该说，还是比较注意对整体情绪的节奏把握，而且把举胳膊的衣袖声也做了特写放大。但是现在回头再看，我感觉还是缺了点什么？细细思考主要是最高潮的爆发点情绪张力不够，视觉冲击力亦不足。究其原因，我感觉孤立地把衣袖声做全剧最高潮的推动点，还是稍显单薄了些。如果让我重新做这段戏，我现在的做法会是：既然衣袖单个衣袖的音效不能强烈烘托起煽情点，那么为什么不多在对白上下功夫呢？修改台词如下：

　　老师：某某同学，请举起你的右手。（鼓励）

　　学生：老师——你说的是我吗？（迟疑）

　　老师：对，是你！请举起你的右手！（深情鼓励）

　　学生：（再迟疑）我——（语气渐弱、渐缓）我——

　　（完全的静场——静场）

　　学生：（爆发）老师！

　　（全体师生掌声同时爆发，强起！）

　　修改的地方，一是增加学生犹豫的语气词，为爆发做准备；二是增加静场的气氛，为爆发积攒力量；三是核心部分，就是干脆不用衣袖声，只用学生激动的两个字的对白“老师”，和同学们的热烈掌声同时爆发，来完成戏的高潮部分。我认为这样就把学生的转化过程与全体师生的期待过程统一起来，一同呼吸，一起爆发，整个的节奏感和冲击力可能会比“原版”更好一些吧。

　　上述两个例子，说明声音的各种组成元素，都不应互相割裂看待，广播剧节奏的各种组成亦是如此。我想强调的是，广播剧内在节奏和外在节奏是一个相互对照不能分割的统一体。理论上讲，是内在节奏决定外在节奏，也就是内容决定形式。比如一部剧，如果从内容上缺少悬念的层层递进，故事情节的剪接节奏再快，也不会有整体张力的强烈冲突效果。从实际操作上看，内在和外在节奏的区分又不是那样明显。节奏的控制有整体把握，也有细节处理，在实施的过程中，细节与整体是要相互对照的。

　　如何把握好广播剧制作的节奏关？我个人认为最重要的是理解剧本：要把握主题，理清线索，掌握各种人物的相对关系。在此基础上，紧紧抓住一个概念，就是声音是广播剧的唯一表达载体。思考的角度是声音，实施的手段还是声音，把广播剧的三个基本声音要素用活用巧。这是是把握好节奏关的基础。

　　说白了，节奏感其实就是一个人的艺术修养的综合体现。控制节奏从来都不是靠死搬教科书来实施，吃透了剧本，把握住了主题，故事节奏自然会了然于胸。能够把有形的控制消化于无形的掌控之间，把节奏技术上升为节奏艺术，是我们每个广播剧创作者的追求境界。

    【内容提要】 关于广播剧的节奏问题，目前还没有一部相关的系统论著。本文作者结合多年实践，以理论结合实际的角度，探讨了广播剧的节奏组成和分类，并提出了很多新的观点和新的思考角度，对相关人员有一定的理论指导价值。

　　【关键词】外在节奏 内在节奏 情绪律动 时间律动 场景结构律动

　　【参考文献】 《电影的诞生》 作者：莱昂·慕西努克 美国

   注：本文获得第七届广播剧论文专家评析一等奖，作者为中央人民广播电台高级录音师权胜。